Maxima El Duro

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Scanners 2: The New Order VS Scanners 3: The Take Over

¡Así continua el concepto de Cronember!

Una continuación mediocre… Basada en los personajes originales

La sola idea de que un grupo de seres humanos superiores, capaces de utilizar la mente como armas, para infiltrarse en computadoras y controlarlas o simplemente para manipular y lastimar a las personas comunes (prácticamente inferiores) resulta un concepto aterrador. Algo que Scanners, película de David Cronember había logrado perfectamente en su filme del mismo nombre en 1981.

Aunque fue una película de culto, no impidió que se hicieran un par de secuelas durante los 90. Llevadas a cabo por la productora Malo Films, de un tal Rene Malo y que tienen la función de continuar la historia iniciada por el señor Cronember. La primera se le conoció como: Scanners II: The New Order (sí, ya sé que tienen nombre de blog/teoría de conspiraciñón) y Scanners III: The Take Over.

Hay que reconocerle a las dos que respetan las bases sentadas por la primera película. Como por ejemplo, el hecho de que los Scanners tengan dificultades usando sus poderes por el hecho de que implica tener acceso a todas las voces de las personas que se encuentren al alcance de su mente. Tal circunstancia los vuelve inestables y puede incluso hacerles perder la cordura, de ahí que requieran el uso de fármacos o medicamentos para disminuir esos ecos y mantenerse enfocados para usar sus habilidades. También se mantuvo la capacidad de reventar cabezas, sólo que ahora es un recurso que se muestra más de una vez (3 en cada película, si mal no recuerdo). Por último, el hecho de que, cuando se enfoca a los rostros de los scanners cuando usan sus poderes, éstos mantienen un rostro calmado y sin emociones.

En The New Order existe una trama centrada en una corporación que pretende usar a éstos hombres y mujeres súper dotados con fines políticos. De hecho, trabajan en una versión modificada de la droga Ephimerol, que, aunque controla las habilidades de los scanners, tiene propiedades completamente adictivas y los hace menos poderosos. De ahí que resulte de vital importancia la aparición de tres de ellos: Drak, Alex y Julie. El primero actúa como villano y tiene la cualidad de ser extremadamente poderoso y cruel, es un indigente y se siente superior a los demás por sus poderes extremadamente desarrollados. El segundo es un muchacho que estudia medicina veterinaria y siempre tuvo miedo e inseguridad de usar sus habilidades superiores. Es considerado uno de los scanners más poderosos y eficientes debido a que es uno de los hijos de Cameron Bale (protagonista de la película anterior) y Kim (otra scanner que estelarizó el filme de 1981). La tercera es hermana de Alex, por lo tanto también es una scanner de elevada categoría, incluso domina la técnica de posesión/transmisión de conciencia que usó su padre al final de la primera Scanners, quien se la enseña a Julie para protegerse de quienes la persiguen.

La trama se centra en la compañía, que trata de llevar a cabo sus planes, recolectando a las valiosas fichas para su cometido: Alex y Drak. Usando al primero como herramienta para manipular a los líderes actuales de la ciudad y que les permitan colocar a los hombres de su corporación en puestos clave. Mientras que el segundo se haría cargo de las operaciones sucias, es decir, eliminar a aquellos que contravenían a los intereses de la entidad comercial. Alex, va descubriendo la verdad de la organización y trata de escapar descubriendo su pasado y quiénes eran sus padres, conociendo incluso que esa compañía los persiguió y asesinó al no querer alinearse con ellos. Su último descubrimiento va relacionado con su hermana Julie con quien se encuentra y deciden poner fin a los asesinos de su familia.

The Take Over es un tanto más complicada y rebasa por mucho el concepto original. Se puede decir que se trata de una secuela innecesaria pero que se produce con el afán de “estirar la liga” a su máxima capacidad. Alex y Julie son los protagonistas de nuevo, pero en ésta ocasión se enfrentan ya que la segunda queda bajo los influjos de un nuevo tratamiento (un parche con un microchip) que inhibe las voces que los scanners escuchan cuando van a utilizar sus poderes mentales. Eso la libera, pero al parecer la vuelve más fría y manipuladora, capaz de matar y sacar ventaja de sus cualidades. Su hermano desaparece porque comete un asesinato imprudencial en una fiesta y se dirige a un templo budista en Tailandia para entrenar su mente y aprender a controlar mejor sus capacidades.

El duelo entre hermanos es para evitar la dominación mundial, pero ésta vez por una scanner sedienta de sangre y que ve a los humanos normales como esclavos (cualquier parecido con personajes como Magneto o Apocalypse es pura coincidencia… ¿o no?). Aquí las cabezas reventadas, la sangre, las vísceras y creativas maneras de mostrar en pantalla las capacidades de los scanners se volvieron más gráficas y sobrepasaron por mucho los modos que los cineastas tenían para mostrar eso en los 80.

Hay que decir que aunque de las tres, la primera es la mejor de todas es importante destacar que cada filme es una historia independiente con una estructura muy bien desarrollada. Cada una tiene un inicio, un desarrollo que va logrando con cada evento que produce el movimiento de la trama y un final que es consecuencia de los hechos y eventos. Destaca también que sólo la primera es la que no tiene una subtrama romántica, ya que la segunda y tercera parte cuentan cada una con su propia historia de romance paralelo que, aunque no hace ruido con la idea principal del argumento tampoco se vuelve fundamental… Bueno, sólo en la segunda, se da a entender que de algún lado tuvieron que salir los hermanos Alex y Julie. Si van a quedarse con una de éstas dos, yo, personalmente recomiendo la segunda porque es la más apegada a la idea original y aunque no es tan buena como la de 1981, puedo decir que te hace pasar un buen rato.

Body Horror de David Cronemberg

MENTE MISTERIOSA… ¡Y su poder desconocido!

David Cronemberg nos enseña el arma más poderosa del género humano… y la más misteriosa

Scanners, una película de 1981 en la que el director David Cronemberg nos lleva por un recorrido extraordinario dentro de nuestra propia mente. Trata de mostrarnos sus secretos, su potencia y el dilema. Este filme tiene una situación similar a Alien, una película de asesinos situada en un ambiente espacial, ya que es una película mal catalogada como “de terror” cuando en realidad se trata de un thriller o incluso de ciencia ficción.

La mente humana es fascinante por sí sola, ya que dentro de nuestro cráneo se encuentra una súper computadora más potente y capaz que cualquier equipo moderno existente. Todavía más increíble es el hecho de que el ser humano, por diseño, es incapaz de utilizar el 100 POR CIENTO DE SU CAPACIDAD TOTAL. Científicos han descubierto que genios de la talla de Einstein han manejado, cuando mucho, el 10 POR CIENTO de ese total. Sin embargo, hay otra parte que ha maravillado tanto a científicos como a escritores y cineastas: LA CAPACIDAD PSÍQUICA, es decir, el manejo de la telequinesis, telepatía y otras habilidades avanzadas de poder mental.

Scanners trata de eso, del poder mental de un grupo de humanos que adquirieron éstas habilidades y se les denomina de ese modo. Su capacidad incluye manejo y manipulación de cuerpos, mentes e incluso computadoras. Centrado en el conflicto entre dos hermanos de esta nueva “raza de humanos” Cameron Bale y Daryl Revok que tienen una manera muy distinta de ver y entender el papel de su poder y habilidades. El primero trata de convivir con las personas normales y el segundo intenta dominar a través de sus poderes. El filme nos puede mostrar que los scanners son una mutación producida por una droga que se les dio a un grupo de madres embarazadas y que produjo como efecto secundario la aparición de esas manifestaciones de poder en los bebés.

Aunque el argumento te pueda sonar como algo que ya has visto en otras ocasiones (X-Men o Akira) no debes rechazarlo por eso ya que David Cronemberg presenta una historia sólida, bien construida y contada que, entre otras cosas, ofrece algo especial. Ese plus se encuentra en el uso magistral del sonido para dar a la audiencia la sensación que tienen los scanners al utilizar sus poderes mentales. Un ejemplo se encuentra en las voces mentales distorsionadas de las personas, las cuales se oyen como si estuvieran bajo el agua, dando la sensación al espectador de que así se escuchan en la mente de los protagonistas al manifestar sus habilidades. Otro modo de ejecutar lo anterior se encuentra en un zumbido especial que sólo es audible cada vez que un scanner hace uso de su poder.

Cronemberg es capaz de mantenernos enganchados con poderosos momentos en pantalla. Como por ejemplo, cuando uno de los scanners revienta la cabeza de una persona para demostrar cuan poderoso es. También el hecho del método para “hackear” la computadora principal haciendo uso de una línea telefónica y el mero poder mental en una clara referencia a aquel primer método de conexión telefónica a internet que se usaba en los 90. O el último enfrentamiento en donde se enseña a la audiencia la fuerza de una “batalla psíquica”, enfrentamiento que resulta intenso y muy bien logrado.

Hay que decir que es una historia que NO TIENE UNA SUBTRAMA ROMÁNTICA, lo cual es muy bueno, ya que en cada película posterior a 1985 se tenía que incluir una historia de amor que no venía al caso, ni mucho menos aportaba a la construcción de la trama. Las actuaciones no son de lo mejorcito que hay, de hecho el protagonista (Cameron Bale), Stephen Lack resulta muy mal actor, pero tiene una cualidad, el señor es capaz de mostrar un rostro calmo y sin emociones cuando va a manifestar sus poderes scanner. Por otro lado veremos a un muy joven Michael Ironside quien encarna al malo, Daryl Revok dándonos un personaje con una personalidad destructiva y arrogante.

Así que sí eres de esos otakus que piensa que la obra de One, Mob Psycho 100 es lo mejor del mundo mundial… Tal vez deberías mirar esta pequeña joya de los 80. Quizá encuentres algo bueno…. Por cierto, antes de que se me olvide… Esta sería una maravilla si fuera una historia autoconclusiva (que tiene material para serlo)… Pero, tiene una secuela…

¡BÁJALE DIGITAL FOUNDRY!

¡POTENCIA!... O la fijación por los TERAFLOPS

EL DAÑO que Digital Foundry y sus parámetros le han causado a la industria…

Play Station 4 Pro ya se encuentra en el mercado, y ¡vaya mal comienzo que le ha tocado! Caray, después de que cierto canal de YouTube que se llama Digital Foundry haya puesto a la videoconsola como la MÁS POTENTE en el mercado pero que llega a los consumidores sin una sólida lista de juegos que de soporte y sustente la calidad del producto… como que no tiene muy buena pinta. También de cierta parte de los fanboys de SONY quienes con mucha prepotencia desprestigian a los entusiastas de otras plataformas.

Comencemos con Digital Foundry. Estas personas se presentan como una “especie de laboratorio científico digital” que prueba los videojuegos más recientes y los comparan. De entrada uno diría “Que bueno que exista un laboratorio de videojuegos para que nos oriente a la hora de hacer la inversión”, pero, cuando uno mira con mayor profundidad sus intenciones es cuando descubre la trampa. Resulta que éstos “científicos” sólo se limitan a analizar el apartado gráfico, eso, es un ¡ERROR FATAL! Ya que el cómo se ve un software de entretenimiento es sólo uno de los puntos que lo componen, no es lo más importante… Estás quitando del camino elementos tan fundamentales como jugabilidad, mecánicas de juego, controles e historia.

Los señores científicos comenzaron únicamente con juegos de PC, pero, conforme el canal fue creciendo decidieron mudarse al mundo de las consolas. Comparando juegos de PS4 y Xbox One con lo que empezaron a ganar más seguidores. Pero, también, contribuyeron a la creación de un grupo dentro de la sociedad de videojugadores nefasto. El equivalente a los sobacoches (esas personas con amplios conocimientos de automóviles que te pueden decir al dedillo características técnicas y de desempeño de los coches) pero en los videojuegos. Ellos están obsesionados con dos puntos: ¿a cuántos cuadros por segundo (frames per second) corre este videojuego? y, ¿cuántos teraflops tiene la consola en que lo estoy viendo?

Las comparativas muestran a cuántos fps (frames per second) corren los videojuegos y, esencialmente, tienen la misma velocidad en las dos o tres plataformas. Pero existen momentos en que ese número de cuadros disminuye mínimamente en una, por lo tanto, para estos “soba frames” la plataforma en la que se ve más lento es LA MENOS POTENTE y por lo tanto, ¡ES UNA PORQUERÍA!

Además, estos fanboys, son una joyita a la hora de las discusiones en foros. Ya que defienden su consola favorita por el NÚMERO DE TERAFLOPS a los que supuestamente corre la máquina. Es curioso, me recuerda a la época de la Guerra de Consolas entre Nintendo y Sega en donde las dos compañías se pegaron con todo, pero llamaba la atención la segunda ya que usaba términos como blast processing que definía la velocidad de procesamiento o aquel slogan que rezaba “Genesis does what Nintendon’t” (Genesis hace lo que Nintendo no hace). SONY, ante la mala recepción de la “actualización” a su consola, la cual tiene 4.2 TERAFLOPS y todas las decepciones que ha tenido ante el público reacciona cuando se hace pública la capacidad de la máquina Xbox One Scorpio, que tendrá 6 TERAFLOPS diciendo que es insuficiente para correr videojuegos en 4K. Finalmente, el TERAFLOP como unidad, es algo que sólo los técnicos e ingenieros en computación o que tienen a su cargo la creación de consolas conocen detalladamente, el aficionado no entiende más que lo que escucha de la prensa especializada, de los youtubers o de sus amigos.

¡Los juegos entretienen!... PUNTO

¿Recuerdan cuando los jueguitos no eran más que formas geométricas o pixeles en nuestros monitores? Quizás las generaciones actuales no tengan éstas memorias, pero, la gente que creció en los 80 y 90  sabe perfectamente de lo que estoy hablando. En esos tiempos las capacidades gráficas eran limitadas (los tiempos de la NES, SNES, Genesis) pero los títulos tenían que compensar eso con grandes sistemas de juego, envolventes historias o reto.

De ahí salieron muchas de las sagas veneradas hoy en día como Metal Gear, Sonic, Mario Bros, Final Fantasy, Street Fighter, Megaman, Donkey Kong, Ninja Gaiden, Splatterhouse, etc. Y ponerle las manos a cualquiera de sus primeros títulos es hacer un viaje hacia el pasado en el que no encontraremos esos polígonos en 3D o el cell shading o cualquiera de las técnicas usadas para programar hoy, ni mucho menos estarán presentes esos gráficos que hoy se nos hacen una obligación.

Entretener… Ese era el objetivo principal de cualquier videojuego. No verse bonito, ni correr a 30 o 60 cuadros por segundo, ni siquiera estar a 1080p de resolución o a Ultra Alta Definición. Siempre y cuando tuviera ese conjunto de elementos que enganchara al usuario para seguir en la aventura y que la disfrutara. Después de todo, las consolas que más vendieron en la historia de los videojuegos son las que se mantuvieron fieles a ese principio y crearon títulos que llevaban esa idea pero en diferentes ángulos. La POTENCIA era un elemento, pero no el principal, sino más bien un soporte, un auxiliar para ayudar a tener una experiencia agradable.

¡BALDY POWER!

¡OBSESIÓN PODEROSA Y ARGUMENTO SÓLIDO!

ONE PUNCH MAN o, ¿cómo hice de mi hobby mi negocio?

¿A quién no le gustaría ser millonario? Pero qué pasaría si toda tu fortuna viniera además de hacer lo que te divierte, es decir, de tu hobby. Presta atención, que te voy a contar una historia un poco extravagante y fuera de lo normal en el mundo del cómic japonés o manga… Podríamos decir que se trata de un tipo de “cuento de Cenicienta”, bueno, dejemos el verbo y… ¡vamos a la acción!

One es un dibujante de cómics japonés y sí, así es como se le conoce, ya que hasta el momento se desconoce su nombre real (el cual es irrelevante, lo que importa es la historia detrás de él) pero está haciendo historia por dos hechos particulares y un poco peculiares. El primero de ellos es que su arte no es PARA NADA REFINADO NI ESTÉTICO, de hecho, quien vea su arte podría decir “¡este tipo dibuja horrible!” y en efecto, así es… Pero a pesar de eso se ha vuelto famoso. En segundo lugar llama la atención su filosofía particular hacia su oficio: “soy mangaka por hobby…” esa es la manera en que explica por qué se dedicó a hacer cómics, porque le gustaba y lo disfrutaba, para pasar el rato.

Comenzó haciendo web cómics que son modalidades de historieta que se publican en internet. Tiene dos trabajos importantes: One Punch Man y Mob Psycho 100 y en los dos se ha encargado del arte y del argumento. Como ya dije, la parte del dibujo pues… ¡no se le da muy bien!, entonces, ¿cómo le hizo?, ¿le vendió su alma al diablo?, ¿es una conspiración iluminati-reptiliana-lovecraftiana?... No, hay que recordar que si bien en las historietas la parte visual es importante tampoco es lo único que el oficio tiene… También entra en juego la historia o argumento y vaya que este señor (One) tiene con qué.

Tanto fue así que llamó la atención de un mangaka conocido, él fue quien creó Eyeshield 21, conocido como Yusuke Murata. Él se encontró con el web cómic de One Punch Man lo leyó y le gustó tanto que se atrevió a sugerirle a One que presentara su trabajo a la editorial Shonen, quienes le habían publicado su obra más conocida. Y así fue, el proyecto fue mostrado y los ejecutivos quedaron maravillados con la idea… Pero, pidieron que fuera Murata quien se encargara del arte, conservando el argumento del autor original en su totalidad. El fruto de este dúo dinámico taka-taka trajo como resultado una serie de 13 tomos hasta el momento y por supuesto, una serie de animación de 12 epìsodios (anime) que, por cierto, ¡ya se confirmó la segunda temporada! Esto llevó a One Punch Man a ser amada, conocida y despertar el interés y el furor de los fans quienes empiezan a hacer preguntas como: ¿Saitama puede ganarle a Gokú?, ¿El Pelón Encapuchado puede contra Superman?, ¿Qué tan poderoso es Saitama?, etc… Lo cierto es que su éxito es incuestionable y también es innegable que la vida de One ya no será la misma a partir de ahora, pero sobre todo, eso es posible gracias a su QUERIDO HOBBY… ¿Crees poder hacer lo mismo?

“¡Soy un héroe por hobby!” (Saitama-One Punch Man)

El poder de la OBSESIÓN… ¿¡TE VUELVE SOBREHUMANO!?...

Para quienes conocen la serie hay una pequeña confusión, ya que, aunque se llama One Punch Man no es porque a Saitama, el protagonista de la misma, tenga ese nombre de héroe ya que, más adelante, se le conoce como Caped Baldy (Calvo Encapuchado). El título se le dio como un juego de palabras que cumpliría una doble función: darle nombre a la historia y un modo de que el nombre del autor apareciera en él.

Se caracteriza por su dinamismo y rapidez que rompen con los paradigmas del Shonen actual. Es decir, peleas muy largas y lentas hasta cierto punto, también hay que incluir que es una obra con cierto tono de parodia y que hace burlas y menciones a algunos clichés del género (Shonen) como por ejemplo personajes que se vuelven ridículamente fuertes a través de métodos de entrenamiento altamente cuestionables. Inclusive, se hace una especie de guiños a personajes de otras series importantes como son Attack on Titan  e incluso Dragon Ball y quienes dicen si “¿Saitama puede acabar con Gokú?” encontrarán la respuesta en los últimos capítulos de la serie, ya que el villano es muy parecido a los Saiyan y… bueno, digamos que eso podría suceder en un enfrentamiento estándar. Todos ellos mordiendo el polvo o quedando convertidos en miasma por un SIMPLE PUÑETAZO del pelón con capa. Los combates duran segundos, a veces minutos, si el protagonista debe “ponerse serio” y eso es algo que no se ha visto, de hecho, el enfrentamiento más largo de Saitama duró dos episodios en el anime pero el manga mantiene esa velocidad.

La historia nos narra la vida de Saitama, un muchacho que desde siempre quiso convertirse en súper héroe, aunque su fama de “fracasado” (de la que el anime no toca para nada) lo lleva a tratar de buscarse una vida normal… Ya saben, trabajar, ganarse el sustento y demás. Hasta que un día, despedido de su último empleo, se encuentra a un niño con un mentón peculiar que iba a ser atacado por un monstruo en forma de cangrejo y decide salvarlo al recordar su viejo sueño de infancia. Desde entonces se decide a entrenar sin descanso, haciendo 100 abdominales, 100 flexiones, 100 sentadillas y correr 10 kilómetros, además, para ganar resistencia mental se mantuvo sin usar aire acondicionado o calefacción, también complemento comiendo tres veces al día, sobre todo una banana por las mañanas. El régimen le otorga (después de 3 años) fuerza sobre humana, velocidad más allá del sonido y la luz, sentidos aumentados, invulnerabilidad y la capacidad de repeler cualquier tipo de ataque energético con sólo sus golpes, también le hace perder el cabello por completo.

Lo anterior, lejos de darle la satisfacción que debería haber alcanzado, más bien le produce UNA GRAN FRUSTRACIÓN ya que no encuentra un rival que le dure más de dos segundos ni mucho menos que ponga a prueba sus habilidades. Saitama no ha mostrado todavía todo su potencial, de hecho, siempre trata de contenerse para no usar todo su poder y está ansioso por sentir la ansiedad, emoción, excitación y todas las emociones que una PELEA REAL producen.

Quizás lo que hace que “no tire la toalla” es el hecho de saber que su trabajo protege a las personas y que, algunos de los ciudadanos que salva le agradecen. Él es un héroe en toda la extensión de la palabra y muestra que NO DESEA SER FAMOSO NI RECONOCIDO, simplemente lo hace porque quiere y es esa búsqueda del RIVAL DEFINITIVO que forma el arco argumental de One Punch Man.

Datos curiosos:

1.      El héroe se llama Saitama porque es la ciudad en la que residía One cuando creó la historia tenía ese nombre.

2.      El motivo de la calvicie del protagonista se debe a que el autor quería que el héroe se definiera por sus acciones y no por su apariencia.

3.      La filosofía de “héroe por hobby” viene de la propia visión de One hacia la creación de cómic.

4.      Junto a la segunda temporada de la animación, también se prepara un videojuego para móviles (celulares y tabletas) de One Punch Man.

5.      A pesar de que la “pelea” entre Gokú y Saitama se vio (de alguna manera) en los episodios 11 y 12 de la primera temporada y que el nombre del primero era Boros, los fans siguen haciendo videos entre las dos estrellas y cada uno tiene diversos resultados.

6.      El tiempo que le tomó a Saitama volverse tan famoso fue mucho más rápido que lo que le tomó a Gokú, ya que en tan solo dos años tiene reconocimiento y el gusto del público, a Dragon Ball le tomó 30 años.

¿Por qué ver One Punch Man?

Como dije anteriormente, carece de las “eternas peleas” de otros Shonen. De hecho, la resolución de problemas es casi exprés. Pero no sólo eso, está cargada de altas dosis de comedia, una muy inteligente y bien escrita, repleta de humor involuntario, situaciones chuscas, guiños burlescos a otros títulos famosos.

Pero, a pesar de ser una parodia, tiene también momentos muy dramáticos. Uno de éstos se encuentra en la batalla contra el Rey del Mar Profundo, una criatura de las profundidades del océano que prácticamente barrió con héroes de Clase A y S que son de los más fuertes, la gente estaba a punto de ser exterminada, hasta que un personaje que pertenece a la Clase C le hace frente de una manera muy heroica y, aunque no le hace nada al monstruo, el texto deja claro la razón de los héroes. Después aparece Saitama, quien reconoce a su compañero (ya que él pertenece a la misma clase) y rápidamente resuelve todo.

Que sea de 12 capítulos la hace fácil de seguir, por lo que no tendrás que invertir mucho tiempo para disfrutarla. Si no la has visto y quieres acción y diversión, ¿qué estás esperando?

4K o NO 4K... ¡HE AHÍ EL DILEMA!

¡SONY VS MICROSOFT 2.0!

Play Station 4 Pro… ¡Dolido por NO CUMPLIR TODO LO QUE PROMETE! Xbox Scorpio ¡MEJOR POSICIONADO!

SONY y Microsoft se ven enfrascados en una “pelea de titanes”… De hecho, la han tenido desde el momento en que salieron sus consolas Play Station 2 y Xbox, un combate que ha tenido un round favoreciendo al primero y otro al segundo. Pero es en este tercer asalto cuando las cosas se ponen interesantes, ya que al inicio del enfrentamiento SONY supo jugar sus cartas y explotando el rumor de que Microsoft pondría restricciones para el “mercado de los juegos usados” y el hecho de que estaría conectada a internet 24/7 logró desencantar a un buen número de usuarios que prefirieron la Play Station 4 por sobre la Xbox One al comienzo de la octava generación, una poderoso contragolpe cruzado de derecha que dejó al rival tendido en la lona durante los primeros minutos.

Pero a la mitad del asalto, después de unas buenas combinaciones y que Microsoft oyera los consejos de su experto segundo Phil Spencer, vocero de la empresa que ha logrado resistir e incluso, remontar el resultado del asalto. Preparando un contraataque más poderoso que el de Sony. Resulta que ambas compañías ven en el 4K una oportunidad de negocio y han decidido hacer un “upgrade” (actualización) a sus consolas: Play Station 4 Pro y Xbox One Scorpio ambas orientadas en mejorar la calidad gráfica.

4K, Ultra Alta Definición (High Definition) o cualquier otra terminología similar se refieren a lo siguiente: superar los 1080p actuales por cuatro veces, es decir, cuadruplicar dicha resolución. De entrada, estamos hablando de 4320p como la resolución que nos va a ofrecer 4K. Esto, llevado a los videojuegos “debería” obligarnos a plantear la siguiente pregunta ¿necesitamos 4K? Ese simple cuestionamiento pude responderse con la típica frase: “depende a quién le preguntes.”

En efecto, para la gente de Relaciones Públicas y Marketing de las empresas, principalmente de SONY, que, además de los videojuegos, fabrica televisores, reproductores de blu-ray, aparatos de sonido, computadoras y celulares (sólo por mencionar algunos). Ellos también han creado tecnologías como el impopular e incómodo 3D. Así que para ellos la respuesta es POR SUPUESTO QUE NECESITAMOS EL 4K.

Y el gamer común, ¿qué opina al respecto?, ¿acaso sabe de entrada lo que representa hacer el salto? Desafortunadamente, el videojugador común es muy maleable y manipulable, siempre dependiendo de lo que se dice en los foros o lo que la prensa especializada comenta. Todavía peor, con trabajo entienden cuestiones técnicas y de costos. Ya que, aceptémoslo: PARA QUE TUS VIDEOJUEGOS SE VEAN MÁS BONITOS DEBEN COSTAR MÁS. Así es, uno de los puntos más importantes y, por decirlo de algún modo, negativos, es el hecho de que tus títulos favoritos van a salir más caros en 4K, haciendo más difícil su adquisición y… lo que es peor su desarrollo. Así es, crear juegos en 4K es más caro por el equipo necesario y motores gráficos.

Eso explicaría por qué algunas de las decisiones que, “a primera vista” parecen extrañas en SONY, pero, que al final terminaron favoreciendo al rival. Ahora las explico.

Un GOLPE BIEN DADO JAMAS SE OLVIDA: La amarga lección de Microsoft

Ahora muchos están llenando de alabanzas y amor a Microsoft, en parte los entiendo. Pero, antes de llegar a éste punto, esta compañía tuvo que aprender de una manera AMARGA Y DOLOROSA el precio de la arrogancia. Resulta que antes del lanzamiento de su consola Xbox One y luego de prácticamente dominar la séptima generación con su Xbox 360, Microsoft había cometido un error, se había vuelto prepotente y arrogante, de hecho, trataba de IMPONER AL CONSUMIDOR el uso de la conexión a internet y todo gracias a la visión del hombre que estuvo antes de Phil Spencer, me refiero a Don Mattrick un señor que tuvo el descaro de decir “al que no le guste la conexión permanente de Xbox One, tenemos la Xbox 360” que logró que su producto comiera el polvo ante Play Station 4.

Esas decisiones se cambiaron, corrieron a Don Mattrick y lo reemplazaron con Phil Spencer y para Microsoft la estrategia fue mantenerse en ese segundo lugar, silencioso, evitando el ruido, las presunciones y prepararse con calma para su regreso. Ahora, en 2016, con la próxima salida del Play Station 4 Pro y que Xbox One recientemente se ha posicionado como la consola “más vendida” en el segundo semestre del año es cuando comienzan a robar la primera posición.

Primero, Play Station 4 Pro, o, mejor dicho, SONY declaró una serie de “mentiras” referentes a la potencia y a la capacidad del equipo para correr los juegos en 4K. La compañía nipona dijo con bombo y platillo que podría, pero, lo que no decía es que lo haría de “forma reescalada”, es decir, la consola haría un relleno de pixeles inteligente hasta alcanzar los 4320p. Esto no incluirá a todos los juegos del catálogo, más bien, será aplicable a algunos títulos. Luego, presume de tener un procesador con capacidad 4.2 Teraflops pero lo que no se dice es que “esa capacidad extra” vendrá para correr la Play Station VR, periférico que salió recientemente a la venta en otros lugares del mundo (México no tiene fecha de salida definida todavía) y que, por lo expresado hasta el momento nos ofrece unos videojuegos con una calidad gráfica pobre y que, por correr a 90 cuadros por segundo, produce mareos y malestar en los usuarios.

Phil Spencer, en este momento, da una cátedra de relaciones públicas refiriéndose a los desatinos del rival como “malas prácticas” y que “resulta penoso”. Siendo en todo momento muy propio, pero contundente. Cosa contraria cuando a SONY le tocó criticar a su competidor, usando sarcasmo, bromas y toda la acidez existente para resaltar el error, vamos, como si fueran muchachillos de secundaria o preparatoria.

Del lado de Play Station todavía se oyen críticas hacia la Scorpio diciendo que sus 6 Teraflops “son insuficientes” para reproducir 4K. Pero, desafortunadamente, los números y los usuarios no son tontos, así que ya se empieza a notar un cambio en la tendencia y las preferencias del gamer. Esta navidad, HAZLE UN FAVOR A TU CARTERA… ¡NO COMPRES PLAY STATION 4 PRO! A menos que seas “fan from hell” de SONY y te guste que vean la cara o que te caigan a patadas.

PELÍCULAS DE PESADILLA...

FREDDY KRUEGER… ¡VIENE POR TI!

De un cúmulo de rechazos a una IDEA EXITOSA

Wes Craven, famoso escritor y director de cine fue responsable de traernos en 1984 A Nightmare on Elm Street o Pesadilla en la Calle del Infierno para los mexicanos. Un concepto completo que explora todas las capacidades de los sueños para asustarnos y sorprendernos, incluida aquella tradicional canción que venía en cada película de la serie “One, two Freddy’s comming for you… (Uno, dos Freddy viene por ti…)”

Para llegar a aquella primera cinta, Craven utilizó esa fijación personal por el tema de los sueños y, particularmente, la capacidad de las pesadillas para traer terror a los soñadores. A Nightmare on Elm Street, ese era el nombre del proyecto en el que se encontraba trabajando y que pensó utilizar como material de inspiración dos partes fundamentales:

1.      Una EXPERIENCIA DE SU INFANCIA.

2.      Una serie de relatos sobre una familia de refugiados de Camboya.

La primera, de acuerdo con información que el propio Wes Craven proporciona en el documental “Never Sleep Again”, relata como una noche en que él y su hermano mayor se encontraban solos en casa porque sus padres habían asistido a una fiesta. El pequeño Craven miró por la ventana de su habitación y observó a un hombre delgado, de apariencia mayor (edad avanzada) con un sombrero de ala ancha. Esta misteriosa persona se le quedó mirando por un largo tiempo y esa manera de verlo lo dejó tan asustado entonces que decidió usar esa misma sensación y plasmar a aquel personaje en su nuevo proyecto.

En cuanto a las historias, éstas narraban a un grupo de inmigrantes de Camboya, una familia, para ser más precisos. Estados Unidos escapando de la terrible situación que vivían en su país, donde estuvieron presos dentro de un campo de concentración. Los eventos antes mencionados marcaron muy profundamente al miembro adolescente de la familia y lo manifestaba con vívidas pesadillas que no lo dejaban dormir. Esas horribles imágenes eran tan intensas que el muchacho buscaba la manera de mantenerse despierto a cualquier precio. Sus padres, al darse cuenta de lo ocurrido lo mandaron con un doctor, quien le recetó unas pastillas para que pudiese conciliar el sueño. El joven, cada noche, metía las pastillas en su boca y hacía como que las tomaba, pero, cuando se iban los padres, las escupía y las guardaba debajo de la almohada. Además de que contaba con una cafetera en su armario de la cuál bebía constantemente para mantenerse despierto. Todo seguiría igual hasta que llegó el punto en que el chamaco no pudo más y se rindió ante el deseo natural de dormir, cayendo profundamente, lo que alegró mucho a sus padres hasta que oyeron unos gritos fuertes y aterradores para después encontrar al muchacho muerto. La causa, un infarto, al menos eso dijeron los doctores.

Si al leer lo anterior ustedes me dicen “¡esto me suena conocido!”, yo les contestaré “¡EXÁCTAMENTE!”. La primera fue la base para crear al villano principal de la serie A Nightmare on Elm Street, Freddy Krueger y lo segundo es muy parecido al modus operandi de todos los chicos y chicas que han sido asesinados o han estado involucrados con este antagonista. Deseo y ansiedad por no dormir, ser capaces de hacer hasta lo imposible para evitar conciliar el sueño, beber cantidades enfermas de café o de medicamentos para mantenerse despiertos y lo más importante: MUERTES SÚBITAS INEXPLICABLES DURANTE EL SUEÑO.

Wes estaba convencido de su idea, así que la mandó a varios estudios (de acuerdo con el mismo documental Never Sleep Again y otros que vienen en la colección de blu-ray incluso envió una copia a Disney) pero las respuestas que le regresaban eran rechazos. Generalmente todas las contestaciones se referían a que EÑ CONCEPTO DE LOS SUEÑOS NO DABA MIEDO. Incluso su buen amigo y creador de Friday the 13th, Sean S. Cunnigham le hacía la misma observación… Imagínense, decir que LOS SUEÑOS NO ASUSTAN después de los incontables casos en las películas, la literatura e incluso de la propia realidad. Vamos, se sabe que H. R. Giger, el artista responsable de la creación del aspecto visual de la criatura de Alien comenta que para llegar a ese diseño se inspiró en sus pesadillas… Imagínense con qué diantres soñaba este hombre para lograr lo que ya todos conocemos.

Pero Wes, tuvo la fortuna de conocer a Bob (Robert) Shaye quien quedó asombrado por su guión y estuvo dispuesto a financiar la película con su nuevo estudio (New Line Cinema) con un presupuesto de dos millones de dólares y que recuperó 10 veces más (12 millones de dólares.)

Freddy: ¡La Leyenda!

Cuando se habla de éste personaje, dos cosas nos quedan muy claras: es tan o más conocido que Drácula o Frankenstein y es un heavy hitter (peso pesado) del terror. De él ya se ha dicho todo lo que se necesita saber, su historia y poderes son más que claros para la audiencia y, a veces, hasta para los que no son fans… Pero no está de más hacer una breve recapitulación.

Freddy Krueger era, cuando estaba vivo, “el hijo de 100 maniáticos”, eso porque su madre Amanda Krueger, que trabajó como voluntaria en un sanatorio donde se alojaban a los criminales más peligrosos y mentalmente inestables, se quedó atrapada mientras se pasaba revista de los internos. La mujer estuvo días ahí y por lo tanto fue violada múltiples veces, quedando embarazada.

Al nacer, la gente del pueblo (Springwood) siempre le echó en cara la verdad, desde muy pequeño, así que no se sabe si su gusto por la muerte y torturar a los más débiles vino de su carga genética o por el hecho de que las personas se lo recordaran constantemente. La cual manifestó con su gusto por matar niños. Pero por otro lado, Freddy, tenía un poco de humanidad manifestado por el amor que sentía hacia su hija. Todo se vino abajo cuando sus “hazañas” se supieron, ya que la pequeña, asustada de su padre lo denunció (sus asesinatos, incluida la muerte de su madre). Arrestado, enfrentó juicio por sus acciones pero quedó en libertad por un tecnicismo legal (algo que los mexicanos conocemos muy bien… Cuántos Freddys no se nos han escapado por eso), pero los papás de las víctimas no se quedaron quietos y lo cazaron, atrapándolo dentro de la fábrica en la que trabajaba le prendieron fuego para ver cómo era calcinado, pensando que se habían librado de aquel hombre… ¡Qué equivocados estaban!

Resulta que antes de morir, unos demonios de los sueños se acercaron al asesino y le prometieron poder para vengarse de aquellos que lo habían matado y separado de su hija. Un poder que se manifestaba a través de las pesadillas y del miedo que los chicos le tuvieran, dándole inmortalidad, capacidad de cambiar de forma y tamaño, invulnerabilidad, regeneración, invisibilidad y prácticamente todo lo que su imaginación le dictara. Aprovechando esas habilidades para vengarse… Matando a todos los adolescentes de Springwood.

Esa es la historia de la leyenda, Freddy Krueger, contada a lo largo de 7 películas y un Remake, sin contar el crossover contra Jason Vorhees. Esta serie se caracteriza por haber traído grandes ganancias a New Line Cinema y como no, si lograba el cometido de enseñar a la audiencia el poder aterrador y de desastre que las pesadillas presentan. Wes Craven no estuvo presente en todas las secuelas, primero, porque él estaba ROTUNDAMENTE EN CONTRA de la serialización de A Nightmare on Elm Street, de hecho, Craven deseaba que la primera fuera una película autoconclusiva, pero Bob Shaye tenía una idea diferente, ya que vislumbró el potencial financiero de las secuelas. Tuvieron una fuerte confrontación, pero Shaye terminó ganando y con los resultados que conocemos hoy.

Robert Englund: ¡Segundo papá de Freddy Krueger!

Freddy Krueger es “hijo artístico” de Wes Craven, eso lo tenemos más que claro, pero no fue el único que contribuyó a que el infame asesino llegara al puesto en el que se encuentra hoy. Mucho tuvo que ver el actor Robert Englund, tanto por su tono de voz, sus movimientos y la manera de interpretar a un personaje, un villano que se ganó los corazones de la audiencia.

Como mencioné arriba, el viejo misterioso, ese hombre probablemente borracho y vagabundo que marcó tanto a Wes Craven fue la primera piedra en la construcción del villano. Por lo tanto, el creativo tenía el concepto de que el antagonista de su nueva película fuera interpretado por un anciano. Robert Englund llega a audicionar para el papel pero debido a su edad fue rechazado al principio. Es en una plática posterior en la que Englund le pide la oportunidad de interpretar al personaje que logra hacer cambiar a Craven de opinión. Básicamente fueron dos los factores que influyeron en esa decisión. El primero, la manera tan enérgica y convencida de la petición del actor y la segunda es que reflexionó sobre su idea original y llegó a la conclusión de que un anciano quizás no podría manifestar la energía requerida para un villano.

La llegada de Englund al proyecto fue una gran adición. Trabajó mano-a-mano con Craven para diseñar la imagen de Freddy. Una de las ideas fue el uso del sombrero de ala ancha, el suéter característico y su manera de moverse, tan llena de energía. Además incluyó el tono de voz que ya todos identificamos al personaje y ese estilo de hablar, con chistes y el tono sarcástico.

Se puede decir que Robert Englund ha quedado tan íntimamente relacionado con el personaje, que se puede decir que es el Luke Skywalker del mundo del horror. Ya que, a pesar de que Robert Englund ha interpretado a otros personajes en diferentes películas, la gente no lo reconoce a menos que salga como Freddy Krueger.